由风林唱片发行的“琴韵”系列音乐专辑于近日推出了《小城故事——邓丽君音乐古筝纪念专辑》,作为此系列的首张CD,再度邀请到著名青年古筝演奏家刘乐先生演奏录制全部15首邓丽君经典歌曲。 与此前的《印象东方》《魅力东方》等专辑的跨界浓郁风格不同,此次的“琴韵”系列,用一种回归纯朴的音乐风格作为主打。作为一张纯音乐专辑,每一首歌曲都是纯古筝演奏,没有任何的MIDI及音效,试图展现最原始最真实的乐器特质,以突出专辑核心概念——“琴之韵”。 中国的传统乐器——筝,传统的筝演奏技巧,筝的优美音色,加上演奏家的即兴编配与再创作,给您带来的是15首动人心弦的古筝演奏小品,全新的演绎了那岁月回忆中一首首经典的“邓式情歌”,相信带给听众的,是一种简单纯朴,却回味无穷的感动。 刘乐,一个非常难得的国乐俊才,他曾经与风林唱片在《魅力东方》、《印象东方》等专辑中有过一系列的合作,他的演奏细微中见恢弘,婉约中见刚劲,时如徐风轻吟、时如溪水噆噆、时如奔雷惯耳。其演奏技艺和对于作品内涵的表现都堪称是同辈中的佼佼者。此次他再度应约,录制琴韵之《小城故事》,单从专辑的名称而言,相信听者已经明白,这是一张关于琴和邓丽君的唱片。追寻着华语乐坛的灿烂星光和光辉轨迹,谁都不可否认最亮和最让人心系的便是属于“邓丽君”这样一位叫人无法释怀和忘怀的歌者。她用妙不可言的邓式唱腔和完美的演唱技巧,将每一首看似平凡的歌曲演绎得委婉动听,她那种小调式中国旋律,足以令每一个听她歌的人心灵悸动,她是中国流行音乐史上无可非议的承前启后、开宗立派的一代大师。她出版过100多张唱片,每张唱片都有一百多万张的销售,她演唱过1500多首歌曲,并且很多是用不同种语言进行演绎的。她把中国的音乐带至世界各个地方,令音乐更加打破国界的限制,自由平等地送入每一个人的耳朵里,十亿个掌声也许就是对她艺术成就的最佳诠释,前无古人后无来者或许就是对她在乐坛地位的一个肯定。红颜天妒,她逝去后的这些日子中,相信有非常多的人,当然其中包括了非常多的音乐人、媒体还有她的歌迷,通过各种各样的方式缅怀和追忆这位让人无法忘怀的故人、歌者。也许短短的几首古筝,几段旋律让人听起来觉得不够恢宏、不够气势,但是它所具备的情感力度却是时时刻刻的敲击着聆听者的心扉,仿佛这一弹指间,千帆已尽,一刹那间,已是百年。 唱片曲目 01 小城故事 02 又见炊烟升起 03 何日君再来 04 我只在乎你 05 漫步人生路 06 独上西楼 07 你怎么说 08 但愿人长久 09 千言万语 10 甜蜜蜜 11 恰似你的温柔 12 在水一方 13 美酒加咖啡 14 再见我的爱人 15 假如我是真的
在第六届世界大埔同乡联谊会期间,举办2008大埔国际广东汉乐周活动,旨在弘扬传统民族文化,拓展国内外民间音乐文化的联系与交流,更好地传承发展广东汉乐这一国家级非物质文化遗产。这不仅是海内外大埔乡亲和广大广东汉乐爱好者的共同心愿,也是广东汉乐传承和发展的一件大事、喜事。 200多年前,中原古汉乐从中原流传到粤东等边远山区,并与客居地的民间吹打乐、庙堂音乐等乐种融会交流,从而形成别具特色的音乐流派,成为广东三大乐种之一。在长期的流传中,汉乐有过多种称谓。在1962年第一届羊城音乐会上,正式定名为“广东汉乐”。大埔广东汉乐是既有中原音乐韵致又有本土特色的一个乐种,具有古雅优美,朴实大方诸特点,至今仍较完整地保留着中原宫廷音乐曲目和演奏形式。在演奏形式上,按照传统演奏形式及不同用途,仍保留着丝弦乐、清乐、汉乐大锣鼓、中军班音乐、庙堂音乐五个类别。广东汉乐的传承发展中有几个特别突出的领军人物,他们是:“乐圣何育斋”、客家筝一代宗师罗九香,特别是罗九香这位宗师被载入国际公认的具有最高学术权威的《新格多夫音乐家词典》,成为与华彦君阿炳、刘天华等齐名的世界著名的艺术家。他第一个在中国舞台上向海内外介绍客家筝艺术,使这个鲜为人知的传统古筝得以名扬天下,深入人心。是他在高等音乐学府教授客家古筝,培养了一大批已成为当今古筝栋梁的英才,使客家筝得以传承,是他把客家筝曲带到全国古筝教材会议上,被列入高等音乐院校古筝教材,使客家筝从民间走上学府,是他把客家筝的演奏灌制成唱片,发行海内外,使客家筝艺术得以保存并传播世界。
若干年前,学习艺术的学生凤毛麟角,能有一个或几个这样的人才便是整个学校的荣誉,对于这些最初的特长生们,升学加分是自然的。 后来学习的人多了,特长生的加分标准也就提升了,需要通过较高级别的考级认证,并且要进行现场考核。 前几天听新闻,从明年开始,北京即将取消特长生加分制度。 这看似“噩耗”的消息标志着艺术教育由量变向质变的转化。 在这之前,学生为了争取特长生的资格,拼尽全力考级,不惜时间和精力,为了一纸证书。当尘埃落定时方才发现自身质量并未实现多大程度上的提升,不过是熟练了几个模式流程罢了,再过一阵,连这模式流程也新陈代谢得所剩无几,摩拳擦掌地来,悄声无息地走,啥也没留下。 这一制度的出台,会导致学习艺术热潮的衰退吗? 不然。 中国文化几千年,经历了外族入侵和文化殖民的战火洗礼,不但没有绝迹,反而越发蓬勃,太平盛世更是弘扬中华艺术的舞台。 只是,艺术回归本质的时候到了。 越来越多的社会机构进入艺术教育行业,挖掘和培养出越来越多的优秀艺术人才,要求行业的标准提升,艺术生产的质量提升,举一个简单的例子,20多年前,抱着琴走在大街上,很多人会问“这是什么”,让我感觉古筝有些隔世遗音的嫌疑。谁曾想到20多年后的今天,古筝被冠以“国琴”的殊誉,并且现在的演奏和创作的水平是那时的人不敢想象的。 再过20年,古筝的发展和社会教育的水平肯定不是现代人能够预测到的,但有一点是万古不变的真理:标准带动发展。 相信,这一制度在全国的实施会开启艺术教育新的篇章,促使更多的艺术工作者和教育者提升教学质量,开拓创作思路。丰富国乐舞台。
古筝一代宗师曹东扶110周年诞辰纪念活动最近在京举行。 曹东扶曾在多个音乐学院教授古筝、三弦、琵琶,他善于吸纳民间音乐,对传统演奏技巧进行改革。这次活动由中华社会文化发展基金会、河南洛阳民族管弦乐协会主办。
2008年11月2日,在南京艺术学院小剧场举办南京古筝协会成立大会。任洁任命教师分会会长,在成立大会任洁学生乐团演奏庆贺。文华、金钟双金奖任洁演奏《望秦川》,获得08年“文华艺术院校奖”少年组金奖的学生曹原演奏《箜篌引》,附中“花季筝韵古筝乐团”演奏古筝合奏《春到湘江》,由获得08年“文华艺术院校奖”少年组优秀奖学生吴昊领奏。
正所谓“一方水土养一方人”,文化也一样。一个地域的文化之所以呈现出这样那样的特点,或者形成各具特色的风格,都离不开滋润其产生和成长的一方水土、风物和人情。山东鲁西南的菏泽地区是全国享有盛名的古筝、唢呐与曲艺艺术之乡。这种浓厚的艺术氛围为产生全国具有重要影响的艺术种类、派别提供了优越的条件。而山东筝乐正是基于该地区的民间音乐如丝线碰八板、山东琴书等艺术形式所开出的一朵奇葩。在当地,琴书说唱历来都很兴盛,至今不衰。而山东筝乐也渐渐从这些说唱、民乐合奏中脱离出来,形成了一个重要的器乐乐种——山东筝乐。山东筝乐能成为山东民间器乐的重要代表之一,是历史和民众选择的结果,是历史的必然。它以其独特的艺术魅力——刚健豪爽而健朗的音乐风格、朴实优美的抒情色彩传播于世,成为引人瞩目的筝乐劲派。要了解山东民间音乐和它的文化,山东筝乐是必不可少的敲门砖。 山东筝是国内“北派古筝”的重要代表流派之一,而鲁西南的菏泽地区又是传统山东派古筝最为重要的流传地,该地区郓城、鄄城一带,向来享有“郓鄄筝琴之乡”的美称。相传在汉朝,宫廷有位宫女流落民间,在当地传授《汉宫秋月》、《鸿雁捎书》等筝曲。诗人曹植在任鄄城王时,用笔述记录了当年鄄城一带筝艺盛行的景象,所谓“弹筝奋逸响,新声妙如神”。明清时期,筝在鲁西南甚是普及和流行,特别是郓城、鄄城一带,有着广泛的群众基础。这种自古以来的弹筝风俗延续至今。自近代的百年中,菏泽地区筝乐人才辈出,涌现出不少古筝名家。自上个世纪50年代,古筝艺术被纳入到高等教育中以来,山东筝乐开始流播全国各地。该地区数位民间艺人或被邀请或被推荐至如中央音乐学院、沈阳音乐专科学校、西安音乐专科学校及山东艺专等高校任教,为国家培养出一大批古筝演奏、教育的专业人才。在这其中,赵玉斋(已故)、高自成、韩庭贵等都是当今筝界享有声誉的筝艺前辈。他们都是从鲁西南这块神秘的艺术之乡走出,进入高等学府,都为山东筝乐的传播、发扬和发展做出了巨大贡献。 韩庭贵,1929年出生于菏泽一古筝艺术之家。自幼随父辈习筝、学唱山东琴书。年少时筝艺多习家师韩绍龄,尽得家传,学习继承了一部分山东代表性传统曲目。自十四岁,师从山东筝派著名古筝大师张为昭,更为系统地学习了山东传统名曲,深得张氏真传。二十三岁继而学艺于著名民乐大师,素有“丝弦大王”之誉的王殿玉。兼学多师,博采众长,再加之自身不断地勤奋耕耘,从而为他今后传承和发展山东派古筝艺术打下了坚实的基础。 韩庭贵先生古筝艺术生涯几经辗转。1958年,先从山东菏泽戏曲艺术学校任古筝教师,1961年则调职菏泽地区艺术馆工作,后又经调任于山东艺术学院(以下简称“山艺”)。在山艺任教期间,可以说是韩老古筝艺术发展的鼎盛期。此间,他为省内、国内外培养了不少专业的演奏人才,创作了不少优秀的山东风格筝曲,灌制磁带、CD等,参加全国的筝界名家交流、演奏活动,挖掘整理曲谱、编著专门曲集等等。可以说这种多领域涉足并作出的成绩,为山东筝乐更为广泛的流传和发扬做出了重大贡献。韩老也由此成为今天备受称誉和欢迎的山东筝派重要代表人之一。 韩老深得家师韩绍龄和著名古筝大师张为昭两位先生真传,为日后将毕生所研习的山东筝曲整理成集奠定了基础。他总结和归纳所学筝曲,写出一本山东筝曲的集子,名为《鲁筝曲集》,于上个世纪九十年代末由齐鲁音像出版社出版。该曲集总共分四个部分,包括山东传统名曲(老八板筝曲)、琴书牌子曲、碰八板和创编四个部分。前三个部分主要是传统筝曲。其中,第一部分是依照家师韩绍龄、筝乐大师张为昭两位先生言传身教,保留了原曲、曲牌的原样。其中,传统名曲部分共集录乐曲29首,除《渔舟唱晚》之外,或为单曲,或为套曲,都是大板筝曲。第二部分的琴书牌子曲多由韩老整理挖掘,均以南路琴书,也就是在鲁西南地区广为流传的琴书曲牌、唱牌的基础上发展而来的。该部分共收录琴书大小曲牌、唱牌122首。其中《降香牌》、《上河调》、《银钮丝》、《天下同》、《凤翔歌》等,是筝界熟知并广为流传的小曲。这些小曲是南路琴书说唱中常用到的前奏、间奏曲,多作为说唱表演的开场、静场之用。这些牌子曲的旋律基线与说唱紧密关联,当今有人在听曲牌演奏时经常会感觉到其中说书的味道。第三部分集录了4首篇幅较大的鲁筝碰八板套曲,也就是丝弦碰八板乐曲。丝弦碰八板是山东路西南地区民间音乐一种常见的演奏形式。参与演奏的乐器包括琵琶、扬琴、如意勾、古筝等,而古筝又是其中最为重要的乐器。为什么叫碰八板呢?这是因为所演奏的乐曲是由多首六十八板的乐曲联缀成套而成。每首乐曲由八个乐句构成,每个乐句又有八个小节构成,唯独“五板长四板”,即第五个乐句多出四个小节。演奏中,每件乐器所使用的乐谱不尽相同,各声部独立,但所奏曲调均是民间乐曲《八板》的变化曲调,又都是规整的六十八板的体式结构,每个乐句的旋律骨架、落音大致相同,由此能“碰”在一起。演奏中,每件乐器各工其谱,却纵横交织,此起彼伏,巧妙地统一在一起。也由于是多首六十八板的乐曲联缀成套演奏,由此也称为山东套曲碰八板。在乐曲的速度方面,一般是由大慢板、慢板入题,中板过渡,直至快板结束。它以板序标明速度,其中大板第一、大板第二为慢板,大板第三稍快(即中板),大板第四为快板。这种“碰八板”至今已经有数百年历史。扬琴、筝、琵琶和如意勾(弓弦乐器)是其经典组合,也有只用扬琴、筝或者琵琶、筝两件乐器合奏的。而韩老在继承传统的基础上,发展了“鲁筝碰”形式,也就是两架筝合奏对弹。目前,我们可以通过央视音乐频道欣赏到这种两筝对碰“山东老八板曲”的节目。以上三个部分所占篇幅大,可以说是该书最重要的组成部分。所集的曲目众多,是研究山东传统古筝音乐、琴书、“丝弦碰八板”等艺术的重要文献资料。第四个部分是基于传统而创编的作品。 大家知道,非物质文化遗产在发展中需要做好两项工作:继承传统,锐意创新。两者缺一不可。古筝艺术同样如此。传承是纵向的,是为了优秀的文化得以延续、流传,创新是横向的,通过借鉴“他山之石”以获得发展。韩老在这两方面都身体力行,将继承传统和锐意创新结合得天衣无缝。而作曲是体现出韩老在继承传统上锐意创新最为重要的方面。在同门学艺的高自成、赵玉斋、韩庭贵三师兄弟中,他们都深得山东筝派的演艺精髓,又都各自不同程度地表现出创作方面的革新。在高自成先生,他成功改编了山东筝曲《高山流水》;赵玉斋先生则成功创编了《四段锦》、《庆丰年》等经典之作,在当今的音乐会中仍多被作为保留曲目传奏、演绎。韩老在乐曲创作方面的革新视野更为开放。他在继承传统筝曲基础上,博采众长,又大胆创新,丰富了古筝的演奏技巧,使山东筝派有了新的发展。自上个世纪70年代,韩老创作、改编了《野营路上》、《鸿雁夜啼》、《包楞调》、《乡音》、《骏马奔蹄》、《戏娃》等筝独奏曲,深受筝界欢迎。这些作品都是在山东古筝演奏技法、乐曲的基础上创编的作品,大部分完成于山艺任教期间。正如《鲁筝曲集》“编者的话”中,韩老表示“在充分继承的基础上求发展,是实现高水平、高层次乐中筝的必然途径”,而这些作品的问世,恰好是韩老这一观念的极好写照和体现。这些作品深谙传统筝乐的演奏技法,又在不同程度上对曲作的演绎进行了拓展。从传统素材中借鉴是进行创作的重要模式。韩老在传统曲目《凤翔歌》、《鸿雁夜啼》等基础上,分别进行了改编。比如《鸿雁夜啼》(1979年)一曲,较之原作,新改编之作引入一些新的视角,比如对转调、摇指技法,以及对前倚音、各类滑音的运用等等,提高了乐曲的表现力和感染力。《乡音》(1983年)一曲则是以琴书唱腔牌子曲《上河调》为素材创作而成。乐曲中通过左手演奏获得的“梆子”效果,让乐曲充满了浓郁的乡土气息。《包楞调》(1978年)则可以说是韩老最具有代表性的作品。此曲是根据菏泽成武县同名民歌创编而来。与一般的“咔歌”的简单创作形式不同,韩老的创作、演奏技法运用视野更为开阔。创作中,他更尊重了器乐创作的方法,对古筝演奏的技法十分考究,深谙传统演奏技法、风格的同时,还敢于创新,比如对大幅刮奏的、八度大跳等的运用,在乐曲中多处运用到变奏方法,从而产生出跌宕不断的乐韵和酣畅淋漓的气势。这在历来的古筝演奏家中也是不多见得。《包楞调》整体曲调活泼爽朗,粗犷豪放,慢板段落又韵味十足。此曲获得山东省内器乐创作、表演等各类比赛的诸多奖项,在中央台、山东电视台等多个重要媒体录音播放。作为一首新山东风格筝曲,此曲目前已广为传奏。当今,韩老的部分作品如《乡音》、《包楞调》等已经被作为名曲选登于上海音乐出版社出版的《中国古筝名曲荟萃(上、中、下)》一书。尤其是《包楞调》一曲更被中央音乐学院、上海音乐学院、天津音乐学院、沈阳音乐学院等高校作为高级演奏筝曲纳入教学计划中采用。无论是对家乡流传的古乐的重新改编,还是以家乡民歌、说唱形式为素材进行编创,都展现出韩老对古筝传统的尊重,对家乡这一片热土深厚的热爱之情。 除教学、整理曲集、创作之外,韩老对古筝艺术的贡献还体现在参加各项社会音乐活动方面。他身兼中国音乐家协会古筝学会副会长、山东古筝学会名誉会长、“齐鲁雅乐社”社长等数职,为古筝艺术各层级的交流也付出不少心血。上个世纪八九十年代,他为不少重要媒体录制录音和音带。作为“北派筝”重要代表参加全国南北古筝名家会演。1990年,著名唱片公司“雨果”为他录制了个人专辑——“山东筝曲集”《书韵》。等等。韩老自幼习筝至今已有70余年筝龄,他在古筝艺术方面的贡献也将永远载于艺术史册。 杭州清平乐筝馆馆长、教师 韩建勇
由中华社会文化发展基金会、奥中经济文化交流协会、纪念曹东扶诞辰110周年组委会发起举办的“纪念古筝一代宗师曹东扶先生诞辰110周年” 系列活动于10月25至26日在北京成功举办。 武汉音乐学院附中校长、古筝专业副教授高雁受到组委会邀请,并安排演奏由她改编创作的筝曲《阿拉木 古丽巴拉》,作为音乐会的压轴节目。由于文化部和教育部对武汉音乐学院附中的评估在即,高校长无法亲自参加此次活动,随即安排她的学生,现就读于北京大学艺术学院的蔡晓璐博士(原武汉音乐学院青年教师),以及附中青年教师尹璐,研究生刘莹、胡菁参加音乐会演出。她们精湛的表演获得了专家、同行的一致好评和赞赏,在这高手云集的古筝盛会上,她们充分地展示了武汉音乐学院古筝专业的实力。 由高雁改编创作、其学生蔡晓璐演奏的《阿拉木 古丽巴拉》2002年参加“全国古筝新作品交流”荣获文化部颁发的“优秀新作品奖” 和“新作品奖”。在“纪念古筝一代宗师曹东扶先生诞辰110周年”的音乐会上,主持人对该作品给予高度评价,并赞誉“高雁老师的学生蔡晓璐是目前国内第一位古筝界的博士”。
罗晶的话 这张是我在香港灌录的第一张个人专辑,也是第一次在如此舒适的环境下进行録音。这次录音是以现场收音的形式,于香港一所宏大的教堂裹进行,没有细小录音棚带来的局促、厚厚玻璃的隔膜、也没有耳机下的压迫感,更没有紧张令人不安的寂静,整个过程是这様自然、松弛和随意。这様的录音很是享受,也最投入和真摰,感觉就像透过话筒在与大家浅谈和交流一様。 我是个喜欢在没有压力下自我陶醉的人,爱以琴音去诉说情感,开心的、忧郁的、惆怅的、悲伤的。一种纯音乐的音乐,只有心在说话,尽情尽兴。这张专辑里的曲目都是我喜欢的,期借以追寻心中响往的音乐,琴音中也记録了我的心路历程,希望与每位听众一同分享及回味。 最后,我在此衷心的感谢参与这张专辑制作的每位工作人员,他们付出了宝贵的时间和精力去协助我完成这张专辑,他们的专业和热情,追求完美的拼斗能耐,令我感受深刻。 罗晶古筝艺术团 罗晶古筝艺术团成立至今已有四年了,在这两年里,我们承蒙许多乐界前辈的帮助与支持,使乐团得以茁壮成长。在2004年12月乐团举办了首次演奏会──「筝情对话」,演奏会中联同来自台湾的风雅颂古筝重奏团共同演出,尝试作别开生面的两地音乐交流,是次演出好评如潮。更有意义的是,在训练的过程中,乐团获得多位乐界名家何占豪先生、顾冠仁先生、李家华先生的亲自指导,令我们获益良多。 现时乐团的成员有的是古筝导师、香港演艺学院及香港中文大学的音乐系学生,凭藉我们的的音乐根基,以及对古筝艺术的热爱和对音乐的追求,使我们凝聚在一起。乐团在提高团员演奏技术的同时,也注重演绎风格的推陈出新,希望透过不同类型、不同形式的重奏作品来进一步展现古筝的音乐特色与艺术魅力,使这古老的传统乐器更具时代气息,让广大听众欣赏到更丰富、更多变、更有表现力的古筝组合表演形式。 青年古筝演奏家罗晶简介: 古筝演奏家。1986年考进上海音乐学院附中,师从著名古筝教育家、演奏家何宝泉、孙文研伉俪。1992年进入上海音乐学院民乐系,翌年获学院颁发傅成贤奖学金。1995年以优异成绩破格提前一年毕业,同年进入上海民族乐团担任古筝独奏演员 。2002年加入香港中乐团至今,2003年起任教于香港中文大学音乐系及香港演艺学院。 经名师长期的精心培育,加上罗氏的聪慧与勤奋,使她全面而扎实地掌握了古筝演奏技法且精熟于各大传统筝派,并逐渐形成了自己的演奏特质:文秀而不纤弱,研丽而不娇艳,淡雅而不单薄,空灵而不虚幻;显现出恬静闲适,清新雅健的艺术风格。 罗氏于1989年获ART杯中国乐器国际比赛少年专业组第一名。1993年起连续四届参加「上海之春」展演,并获音乐表演奖。1995年获文化部主办的东方杯全国古筝比赛青年组第二奖。1999年赴美国卡内基音乐厅举办独奏音乐会。2001年新年随上海民族乐团赴维也纳「金色大厅」演出。同年仲春,在上海大剧院举办「筝鸣」古筝独奏音乐会。同年孟夏,赴捷克参加布拉格之春艺术节。罗氏曾先后出访欧洲、亚洲、澳洲及美洲,包括台湾和澳门等二十几个国家及地区。 1992年推出首张个人专辑《罗晶古筝演奏专辑》,其中首录《茉莉芬芳》和《姊妹歌》深受好评。同年应邀以古筝重新演绎《临安遗恨》和《梁祝》,并由上海交响乐团协奏录成唱片。2001年首演古筝与乐队《山水》。2006年在香港古筝节中首演古筝、笛子双协奏曲《牡丹亭》。另外录制了《浏阳河》、《恒春耕农歌》及《川江情》等几十张不同风格的音乐作品。 古筝专辑《月儿高》: 1.茉莉芬芳 (箏) 2.柳青娘 (箏與二絃) 3.陳杏元和番 (箏) 4.綠島小夜曲 (箏四重奏) 5.出水蓮 (箏、提胡與洞簫) 6.月兒高 (箏四重奏) 7.漁舟唱晚 (箏) 8.漢宮秋月 (箏) 9.戰台風 (箏與敲擊) 10.綠島小夜曲 (現場版) (箏四重奏) 艺 术 家: 罗晶Luo Jing 音乐类型: 民乐 唱片公司: 编号: MCD2947 发行时间: 2007 古筝专辑简介 乐师: 罗晶 (古筝) 朱 茸 (提胡) 谭宝硕 (洞箫) 钱国伟 (敲击:大堂鼓、小堂鼓、钢片琴与三角铁) 参与是次录音之罗晶古筝艺术团团员: 叶智嘉(古筝) 冯钰珊 (古筝) 徐美婷 (古筝) 蒙香港中乐团允许罗晶小姐、钱国伟先生、谭宝硕先生及朱茸先生参与是次录音。 作曲: Track 1 何占豪/ Track 7 娄树华/ Track 9 王昌元 编曲: Track 4, 6, 10 顾冠仁/ Track 9 (敲击部分) 钱国伟 日本制版金碟 全球首张以5.6448 Mega Hz 1-bit WSD/DSD 纯数字录音之古筝音乐 全程选用 Tara Labs The One LE 顶级线材 及 IsoTek Nova电源过滤器材,以单点直刻技术录音,务求将教堂之自然堂音,乐声之三维型态,更纯真地重现乐迷眼前 录音师之精淮捕捉,不论宏动态或微动态,令听者哗然 罗晶指法之快而淮,则令人目瞪口呆 特别推荐﹕古筝战台风、茉莉芬芳、绿岛小夜曲四重奏
近年来,结合对音乐美学问题的思考和自己的舞台实践,我创作了一些筝乐作品,我把他们定位为“新文人音乐”。在今天这个多元文化的时代,按照自己的审美取向和价值追求,建立个性化的艺术风格非常重要。本文中的“新文人音乐”并不是某种地域性流派或群体固定风格的指称,而是自己将当下音乐美学与个体艺术发展之路相结合给予的答卷,这里就是自己创作中的一些感悟来谈谈对“新文人音乐”的认识。 “新文人音乐” “新文人”艺术的概念是由绘画界在上个世纪八十年代提出的,用于指称一批“打破了地域与风格,消弱了统一的法式与题材特征而以统一的文化追求为目标的倡导”的画家群体,“从更深的艺术自律中更高的文化品格上来反思时代对艺术家的要求与艺术家对时代的追求”(陈绶祥《新的聚合-“新文人画”经纬》)。这个“统一的”目标也适用于我们今天的创作,就是将研究自身的文化传统作为创作的先决条件,如果没有这样的前提,一切的思考都可能是无本之木、无源之水,或者是另一种意义上重蹈前人覆辙的徒劳。只有“决心将追求各自的文化传统作为自身创造力的前提,并借此获得独立性”(周文中《华人作曲家何去何从?》),摆脱各种理论的“争吵”和体系的隔阂,从一切先入为主的观点中独立出来,把中国文化传统作为音乐创作的新动力,才能建立我们民族的文化自信,重建中国文化的价值观,真正回到中国艺术自身的立场来。“新文人音乐”不是在演奏古曲时仅仅具有一种典雅的气质,也不是屈从于西方美学观审美特性,具有“文人”品质和责任的现代式创造。“文人传统可以抵抗现代音乐中与日俱增的自我主意与商品化趋向,并能引导我们追求一种新的音乐语言”(周文中《华人作曲家何去何从?》)。它也不同于旧时文人的保守与避世,而是一种积极、主动、开放的选择,这个“新”就是用今天特有的文化视角来重新思考、探索和创新。我所认为的“新文人音乐”强调的是文化品格与合乎艺术自律的创造,大致可简单概括为“雅正”、“鲜活”、和“融合”。 一、雅正-文人传统的品位格调 中国的传统音乐如果按照使用人群大致可划分为:(1)雅乐,即古代官廷音乐;(2)宗教音乐;(3)文人音乐;(4)地方民间音乐。在中国传统音乐中,他们按照各自的发展轨迹互相促进、互相影响,共同构成了中国传统音乐的整体,在这一整体中,相对而言文人音乐最能体现中国传统音乐的审美观。 在我看来,传统文人音乐中存留的“雅正”格调体现了我们民族的核心文化灵魂和主体的情感诉求。上古时代,乐、舞、诗三者都没有独立,它们相互环绕,密切结合在一起。《周礼》中的“六诗”所说的“雅即是正,它意指历经千秋万代,正者永不停止地受到后人的赞美歌咏”(江文也《孔子的乐论》杨儒宾译)。所谓“正”就是孔子评论《诗经》时所说的“思无邪”(《论语 为证》),导正人心,使得其美;孟子所说的“浩然之气”。五代山水画家荆浩曾说“生死刚正谓之骨”,宋代爱国英雄文天祥为我们留下了《正气歌》。从整个中国文化史来看。对这种“正气”的倡导和颂扬一直是主流的声音,“雅”在今天来说是指高层次的品位格调。 我觉得创作一首乐曲,它的立意、格调非常重要。“雅正”在我的音乐创作中大致包括这样一些内容:(1)表现中国历史文化人物的品格精神和文化魅力;(2)传统文化中所蕴含的质朴淡然的哲学观;(3)召唤古典诗词歌赋中蕴含的中国文化灵魂;(4)体悟中国书画的笔墨和旷远的意境。当然这些都是在体现我们现在人审美习惯和需求的前提下而提出的。 二、鲜活-体现当代审美情趣的创新风格 对我来说“雅正”只是指我所追求的音乐主体灵魂,或称之为“骨”的框架;它并不能涵盖一切,而一部作品有没有鲜活的生命力是它是否存活的根本原因。 传统文人音乐的衰落有各种各样的原因,但我认为最根本的一点是其后期过于迷恋“清微淡远”风格和孤芳自赏,这样的审美取向决定了音乐的程式化倾向和风格的局限性。如果我们仅仅教条化的生搬硬套,那样做的结果只是貌而移其神,忽视了音乐本体的表现力。在今天的音乐会上如果原封不动地演奏这些名曲,就会显得冗长而缓慢,因为时代改变了,人们欣赏的心理节奏也在改变。 当我们认识到传统文人音乐中的一些不足,再来审视今天的筝乐创作,就会明白应该注重哪些方面的变革,如果创新,使作品呈现“鲜活”的生命力。作为一名筝乐表演实践者,我们的创作是围绕筝这件乐器为核心展开的,就筝乐创作而言,我认为这个“新”首先体现在这样几个方面对传统的突破,即内容上突破局限于“情与景”的具象描摹;结构上突破起承转合的固定范式;声响上突破单一线性旋律思维等。 我在创作《墨·戏》、《律·动》时,虽然也受到书法、绘画、喜剧等具体因素的启发,但我都摒弃了具像表意的传统对应方式,而是强调音乐形象抽象化了中国气质、神韵,注重虚实对比,将块面织体和复数的线性旋律,通过多变的节奏切换,呈现或朴拙、或空灵、或粗犷、或沉静的声音动象。而在《静夜思》、《如梦令》这类以古典诗词为题材的作品中,也不局限于字面的图解和场景的铺陈,而在于境界的开掘和内心情感的延展。我也尝试筝与其它乐器的重奏写作,在这些作品中一方面注重保留与传统的对话,同时也强调创造出多层次的立体结构,在横向时间层次上展示线性旋律丰富的韵味,纵向织体空间构筑不同的色彩和张力;这些小型室内乐创作有助于筝乐表现力的进一步拓展。其次,在演奏上要想获得前所未有的表现张力和声响空间,也离不开技术指法的时间创造。比如赵曼琴先生创立的快速指序法,是现代筝乐演奏技术的一大突破和飞跃。没有速度和力度就无法形成对比,其表现空间就有所局限,就不能体现我们时代丰富多彩的节奏动力,但“快”并不是为了单纯的炫技,而是为乐曲的主题内容服务,在作品中我也非常注意这个“度”的把握。我所运用的“多指劈扫”、“轮泛音”、“四度滑颤”等表现手法,就是应具体作品需要体现的韵味而摸索实践出来的。 对于今天的音乐创作而言,创新非常重要,但创新并非完全脱离传统音乐本体一味追求乖戾奇特,或将某些元素作表面化的拼贴。我所认为的创新,是要合乎艺术其自身规律的“新”,一方面能体现乐器自身悠久文化积淀的特点,同时也要体现创作演奏者的时代风格和鲜明个性。我们不进要熟悉了解传统筝曲各个流派的风格特色和技术特点,对筝这件乐器的“韵味”有深入而理性的把握,还要积极的通过实践拓展其表现的可能性。使乐曲所获得的新质能“出新意于法度之中”。如果把音乐形式看做是声音材料的有序化组合,那么由节奏、速度、力度、音色等相关要素能获得整体的新质性,作品就能呈现出鲜活的生命特质和个性化的风格特色。 三、融合——以中国音乐理念为核心灵魂的开放与兼容 1969年爵士音乐大师迈尔斯·戴维斯相继发行了著名专辑《In a Silent Way》和《Bitches Brew》,为当时爵士乐的新方向打开了一个闸门,开始向多元化发展,这种新的音乐风格于70年代加以发展延伸之后,形成所谓的融合爵士音乐(Fusion),成为乐坛的主流之声(刘凯、谢彤编著《爵士音乐史》)。融合的概念也成为各种艺术跨界寻求突破自我界限获得新生的重要理念,和后现代社会多元艺术的主要标志。在今天这个多元文化的时代,信息交流非常发达,过去彼此对峙的文化观念,今天发现距离是如此之近,这也是当代文化的一个显著特征。所以我认为“融合”的观念也体现在今天的新文人音乐的创作中。我认为“融合”这一具有复合式音乐的理性思维为今天的创作带来了无限多的可能性。“融合”不是指某一种固定的风格,二十指具有跨越不同艺术界限、数种风格符合的“混搭”,换句话说就是每个人都可以具有一种、或多种“融合”的模式。但“融合”不等于随意的表面化拼贴,它的核心是个性化意识的主动选择和审美情趣的体现。我在创作作品中的声乐部分时,就尝试把自己喜爱的多种声腔要素融为一体,如民族声乐、戏曲中的京、昆、越等剧种的润腔用韵,以及传统的“弦歌”的概念进行融合,我将其称之为“筝歌”,力求创造一种个性化、具有中国古典气质的新声腔。如为李清照词创作的《如梦令》和《渔家傲》,音诗《文姬归汉》等。传统的“弦歌”是指中国古代文人雅集时用古琴伴奏吟唱诗词的音乐形式,宋代朱长文《琴史·声歌》中说“古之弦歌,有鼓弦以合歌者,有作歌以配弦者,其归一揆也。盖古人歌则必弦之,弦则必歌之,情发于中,声发于指,表里均也”(王迪《弦歌雅韵》)。我觉得过去的文人从小在私塾中就用吟诵的方式来背诵古诗文,所以“弦歌”的吐字发音用韵也可能是在吟诵的基础上发展而来的,如同今天京剧中还保留的“韵白”。它不同于我们日常的讲话,随着教育模式和现代白话文的变革,今天很少有人会用过去的方式吟诵诗词:有人用昆曲的韵腔来唱“弦歌”,虽有古意,但人们多数把它当作昆曲清唱来欣赏,所以我在创作“筝歌”的过程中,一方面追求作品的格调和韵味,另一方面还特别注重它与当代观众的交流共鸣,力求明白晓畅,反对故作艰深的玄虚。 在我的创作中,除了文人雅乐、戏曲音乐,各地方尚存的民间音乐也是我学习借鉴的对象。由于这些音乐没有完全脱离它们的土壤,具有与生活方式紧密相连的文化形态,因而保存较为完整,豪放、粗犷,直抒胸臆而激动人心,有着“鲜活”的生命状态。今天我们称之为“原生态音乐”,它们长久以来心口相传,与民众生活实践息息相关,使我们民族珍贵的“文化记忆”。在我的创作中很注重吸收民间地方音乐的元素,如《静夜思》,就是以中原地区音调特色的元素为主体,用筝与大提琴对话的方式来表现富有诗意化的情感。而《律·动》则将中国民间打击乐豪放、粗犷的气质抽象化,强调一种由内而外的气息运行,追求豪放、率真的艺术风格,凸现其当代精神。 新文人音乐不仅要继承自己传统中优秀的基因,也要善于学习别人的传统,我们周边邻国的音乐,如日本、朝鲜、越南、印度、蒙古等国的音乐,历史上它们和中国音乐的发展就有着千丝万缕的联系,都可以启发我们创作,融合在我们的音乐中。我在创作《弦·趣》时就曾借鉴了印度古典音乐素材和丰富多变的附加节奏,将它们融合进中国筝乐特有的吟揉滑颤中,运用了“四度滑颤”等指法,力求在同一个作品中体现了两个不同地域音乐风格的对话。 今天的音乐显现出这种融合的复数形式,这也是艺术当代性的表现特征。没有什么是不可以融合的,关键是怎样融合?以什么为核心灵魂?如何能做到“脱胎换骨”、“点石成金”。 在这里我只是结合自己的音乐实践,粗浅地谈谈队筝乐创作的一些体验和对“新文人音乐”的理解。我的“新文人音乐”是今天这个多元时代中一种个人化的主动选择。对“新文人音乐”我的有些提法肯定会有不妥之处,但我
昨晚的上海音乐厅舞台,毫无疑问是罗小慈的天地。她架筝奏乐,与大提琴为友、与打击乐作伴、与箫对唱,又在乐队丛中洒出一片幽雅之情。整台音乐会,罗小慈的演奏贯穿始终,全部作品,都由她创作。尤其是一部包括四个乐章的民族管弦乐音诗《文姬归汉》,更是她的最新力作。 虽然记者采访罗小慈时,她只是寥寥数语表达自己想有点个性化的音乐表达,但她为音乐会的节目单撰写的《浅谈新文人音乐》里,却详细地道出了创作的内涵,也让记者了解到了她的音乐,并不只是通过寻找古筝与其他门类乐器的时尚化嫁接,来使古筝获得现代人群的普遍共鸣,而是通过注入符合当代社会普遍价值观和审美观的精神,用形式与内容完美结合来引起更多人的关注。 《静夜思》里,筝与大提琴的“交谈”深情而又不无伤感;《弦·趣》中,筝与康加鼓的“嬉戏”活泼而又不失风雅;《律·动》则是筝与打击乐在一起豪放的舞动;而那部《文姬归汉》又抽丝剥茧般地展现出蔡文姬复杂情感层层变化。她根据古代文人奏琴吟诗的“弦歌”形式,在音乐中边演奏边吟唱。千转百回之中,让音乐在与众不同之中更添魅力。也许,这台音乐会的作品会产生各种各样的评论,但罗小慈认为:“这些音乐只是在表达我求索之中的感悟和心声,当然会有许多不成熟和欠缺,但我想这样走下去。”